Jacques Le Brusq programmation dans Le voyage à Nantes 2024

Rencontre avec l’artiste samedi 6 Juillet 16H00

Programme VAN 2024

"La présence des arbres"

"Longtemps j'ai vécu en présence des arbres, mais je n'ai pas choisi de peindre des arbres. Je n'ai pas décidé en me disant voilà un beau sujet, je vais faire leur portrait. Ce n'est pas ainsi que cela s'est passé...".

L’ œuvre de Jacques Le Brusq possède une vibration, une puissance éthérée qui a la force d’une rencontre amoureuse. Cet instant impalpable intangible et pourtant si vrai. Ses œuvres troublent et font de l’espace pictural, un espace présent, elles disent l’invisible, nous raccrochent au monde, mais surtout elles donnent à voir la peinture. Sa peinture devient autonome, incarnée et n’appartient plus à l’artiste. C’est une invitation magnétique essentielle.

« Il n’y a ni perspective, ni dimension, et pourtant les arbres, les plantes, les mousses, les lichens apparaissent plus vrais que nature. Il envisage sa peinture comme le moyen de dépasser les limites du fonctionnement de l’esprit, en se concentrant sur la présence sensible du paysage. Louis Raymond Journaliste

La sélection présentée à la galerie fait écho à la thématique de l’arbre du VAN 2024, avec entre autre l’installation de deux toiles majeures exposées pour la dernière fois au musée de Vannes en 2018.

Lux Miranda

Exposition "Sigils* Good vibes only" du 4 au 22 Juin 2024

Vernissage jeudi 6 Juin 18:00

Les œuvres de Lux Miranda sont animées d’une force mystérieuse. Elles nous amènent sur le fil, nous absorbent, et nous invitent à nous perdre dans des formes incertaines mais pourtant familières.

Dans ses tapisseries, l’artiste convoque l’imaginaire primordial et c’est alors qu’on devine chimères, couleuvres et dragons, autant de créatures énigmatiques qui cohabitent dans nos mémoires collectives. Se référant aussi bien à l’art Médiéval qu’à celui du Néolithique, en passant par la pop culture néo-gothique, l’artiste s’intéresse à notre rapport au sacré. À travers sa pratique artistique, Lux Miranda cherche à donner un espace où pourra résider sa propre expérience du sacré et ainsi nous amener à nous questionner sur la nôtre.

Les pièces de Lux Miranda s’imposent parfois en monumental, et c’est ainsi qu’à la manière de fresques rupestres elles envahissent l’espace, nous englobent dans leurs couleurs profondes. Les œuvres exposées sont comme des concentrés de cette pratique monumentale. La  sélection se compose de pièces créées entre 2020 et 2024, les plus récentes sont montrées au public pour la première fois.

Exposition en partenariat avec la Galerie The Pill basée à Istanbul, qui soutient le travail de l’artiste sur la scène internationale.

L'artiste est actuellement en résidence à la Cité Internationale des Artistes à Paris.

• Sigils  : matérialisation graphique d’une intention magique

https://telenantes.ouest-france.fr/nantes-matin/article/chronique-expo-jacques-le-brusq-la-galerie-gaia

Vernissage Samedi 6 Avril 15H

Plonger, le souffle coupé dans une contemplation commune.

Les œuvres de Jacques Le Brusq possèdent une vibration, une puissance éthérée qui ont le pouvoir d’une rencontre amoureuse. Cet instant impalpable intangible et pourtant si vrai. Elles troublent et font de l’espace pictural, un espace présent, elles disent l’invisible, nous raccroche au monde, mais surtout elle donne à voir la peinture. Elle devient autonome, incarnée et n’appartient plus à Jacques. C’est une invitation magnétique essentielle.

« La peinture est imprévisible. La peinture, il faut la faire, mais surtout, il faut la laisser faire. Quand je peins, je ne cherche pas à savoir ce que je peins. Je dirais que ça peint plutôt que je peins. » Jacques Le Brusq

« La peinture nous donne à voir ce qui, sans elle, se dérobe, ce qui, sans elle, ne saurait être vu. En précédant le langage, elle nous met spontanément en présence du premier matin du monde, là où les mots ne sont pas encore. » Jacques Le Brusq

Les œuvres présentées à la galerie montrent les variations du paysage dans la peinture de Jacques le Brusq. C’est aussi une exposition familiale, Jacques s’offre un accrochage avec sa fille Typhaine Le Brusq et sa petite fille Lou-Maria Le Brusq dont les pratiques seront à découvrir dans un deuxième temps du 20 au 30 Avril.

Le dessin a une place importante dans la pratique des artistes. Que ce soit un schéma de pensée, une esquisse, une étude préparatoire, ou un dessin abouti cela commence par une ligne. Nos envies et curiosités nous y amènent d'avantage, ce qui motive notre première participation au salon DDESSIN.

Nous présentons le travail de l'artiste 1011 avec un solo-show. Présenter 1011 au prix DDESSIN participe de la volonté́ de la galerie de défendre haut son travail, d’aborder ses luttes sur le réchauffement climatique, ses engagements par les qualités esthétiques  et poétiques de ses dessins.

Nous aurons plaisir à vous recevoir au salon DDESSIN, Rue de la Tour Maubourg Paris 7ème - métro Invalides - Tour Maubourg

jeudi 21 Mars 18:00 Vernissage VIP vendredi 22 Mars 19:00 Remise du Prix DDESSIN en présence de la Présidente, Louma Salamé et l'ensemble des membres du jury.

Les réalisations de 1011 ne se veulent pas scientifiques.

Les naturalistes utilisent l’échelle un pour les représentations de la faune ou de la flore. L’artiste ici agrandit considérablement le sujet afin de donner à voir les détails que même le spectateur attentif de la nature regarde peu ou ne peut pas voir. Ses dessins sont alors comme des portraits où l’on peut scruter tous les infimes détails et faire connaissance avec le vivant ! Chaque dessin comporte un chiffre qui témoigne de l’état du végétal si la température augmente d’autant.

Les œuvres de 1011 transcendent les sensibilités, et bousculent la ligne éditoriale de la galerie pour l’abstraction. 1011 vient rejoindre ces artistes éclectiques et inclassables qui pointent nos contradictions et réveillent nos consciences avec un talent précieux et subtil.   

Retenir des fragments de vies, s’accrocher au vivant.

Dans les plis et recoins de la matière, se loge une réalité crue et un questionnement sincère. Quels sont ces morceaux de vies qui font de moi qui je suis ? Quoi prendre si je devais tout quitter ? 

Dans ses autoportraits Xavier Jallais impose une contemplation troublante. Un corps qui se perd et se cache sous des architectures si fragiles faites de quelques couvertures, cartes et autres cartons. Décontextualisé et méconnaissable, ces portraits deviennent des icônes au pied desquelles les offrandes votives deviennent possibles. Une forme de sacralité laïque qui questionne notre monde. Cette perte d’identité permet l’introspection, chaque spectateur se questionne sur ses fragments de vies à coincer au creux de ses bras.

Diplômé d´un master de Conservation Restauration des Biens Culturels à Paris1–Panthéon Sorbonne, il exerce la profession de Conservateur–restaurateur de peintures sur toile.

En collaboration et en écho à l'exposition "...au détours des silences" au Passage Sainte Croix, nous avons proposé à nos deux artistes Jacqueline Pécantet et Elisabeth Wadecki de partager avec vous toute l'étendue de leur création fragile et sensible.

Samedi 20 Janvier 11:00 initiez-vous à la gravure sur une plaque de zinc avec Jacqueline Pécantet sur une presse du musée de l'imprimerie et repartez avec votre création. (5 places - 2h00 - 20€/pers).

Samedi 27 Janvier 15:00 rencontrez Elisabeth Wadecki qui partagera avec vous son inspiration et sa poésie.

En collaboration et en écho à l'exposition "...au détours des silences" au Passage Sainte Croix, nous avons proposé à nos deux artistes Jacqueline Pécantet et Elisabeth Wadecki de partager avec vous toute l'étendue de leur création fragile et sensible.

Samedi 20 Janvier 11:00 initiez-vous à la gravure sur une plaque de zinc avec Jacqueline Pécantet sur une presse du musée de l'imprimerie et repartez avec votre création. (5 places - 2h00 - 20€/pers).

Samedi 27 Janvier 15:00 rencontrez Elisabeth Wadecki qui partagera avec vous son inspiration et sa poésie.

Mala Bestia / Toma-L / Éditions SKIRA

À l’aube des années 2000, Thomas Labarthe découvre Jean Dubuffet au Centre Pompidou. Cette rencontre posthume, à travers une rétrospective, constitue alors pour lui « un véritable électrochoc, mais aussi un révélateur ». Trois mois plus tard, le jeune homme peint Mala Bestia, sa première toile. « Cette toile vaut pour son premier élan de liberté, j’avais l’impression d’avoir trouvé quelque chose qui, finalement, m’appartenait. La peinture a alors pris le dessus sur tout le reste. C’était une évidence, je l’ai senti d’instinct. Peindre, je pouvais le faire. »

Depuis, Toma-L peint à l’instinct, librement, en marge de tout concept, concentré sur ses tripes et son geste. Personnages dissipés, lignes et formes sous tension, le peintre a fait émerger un petit peuple agité, turbulent, charbonné sur papier ou sur toile. Installations en Tunisie, projets d’édition débridés menés à Marseille, lithographies charbonnées en autodidacte ou expositions pulsionnelles... Avec cette première monographie, l’artiste Toma-L et l’auteur Théophile Pillault reviennent ensemble sur deux décennies de création brute et débridée.

Livre disponible à la Galerie Prix de vente unique 39€

Vernissage samedi 18 Novembre à partir de 11H en présence des artistes Pierre Muckensturm, Alberte Garibbo, Yves Popet, Miche Jouet, Jean-François Dubreuil.

“L’art concret veut transformer le monde, il veut rendre l’existence plus supportable. Il veut sauver l’homme de la folie la plus dangereuse : la vanité".

Il veut simplifier la vie de l’homme. Il veut l’identifier avec la nature...

L’art concret est un art élémentaire, naturel, sain, qui fait pousser dans la tête et le cœur les étoiles de la paix, de l’amour et de la poésie. Où entre l’art concret, sort la mélancolie, traînant ses valises grises remplies de soupirs noirs.” Jean Arp, 1944

L’art concret, c’est avant tout un langage pictural strictement non-figuratif. Ce sont des lignes, des formes et des couleurs : un vocabulaire graphique accessible à tous.

Une œuvre concrète résulte d’une construction simple et contrôlable, un protocole créatif, qui répond à un principe géométrique que s’impose l’artiste. Elle se libère de la représentation du monde qu’elle simplifie à l’extrême en lignes, courbes et angles droits. Une pratique qui s’éloigne du sensible, sans autre référence qu’elle-même. Et oui un carré reste un carré. Parfois, ce protocole est perturbé, la rigueur est détournée pour laisser place non sans humour à une utopie, subversive.

« J’ai un goût prononcé pour la fantaisie, avec une tolérance de 2,2 degrés. » Pierre Muckenstrum

Les artistes présentés à la Galerie Gaïa s’inscrivent dans la filiation de cette pratique chacun avec des systèmes de créations qui leur sont propres.

Pierre Muckenstrum utilise l’Entasis et ses variations souvent riches d’humour, Alberte Garibbo questionne le noir, ses enchantements et ses subtilités. Le carré devient la source d’inspiration et de référence des créations de Yves Poppet, il est utilisé pour sa simplicité et sa capacité de transformation, Michel Jouet s’intéresse à la ligne et au volume quant à Jean-Francois Dubreuil, ce sont les unes de presses qu’il essentialise et font système géométrique.

KAAIEN – Didier Engels

VERNISSAGE JEUDI 19 OCTOBRE 18:00

Didier Engels est un photographe autodicate belge, qui commence son travail photographique « Dry Dock » et « Kaaien » en janvier 2015. Entrepreneur pendant 25 ans son œil s’est formé à la matière et aux couleurs du textile. La photographie c’est un médium technique mais encore faut-il savoir regarder. Et aimer regarder où que l’on soit. Didier Engels aime les zones portuaires, Anvers, Hambourg, Rotterdam, Zeebruge où il a grandi et même été dockers.

L’évidence et le choc esthétique sont arrivés à Lorient face à une épave. Oxydation, sédimentation, lignes et nuanciers de couleurs. Depuis Didier Engels sait qu’il a besoin de trouver ces couleurs et cette matière, la tôle oxydée des cargos, les jeux de couleurs des containers qui se patinent et explosent à la lumière.

Didier Engels est soit perché dans les airs à la traque du cargo qui offrira le patchwork de couleurs le plus nébuleux, soit niché au milieu des montagnes de containers  en quête du plus bel imbroglio de containers. « Je vois des choses que les autres ne voient pas. Beaucoup de gens photographient des containers, mais personne ne le fait de cette façon. »

Ces images capturées se transforment en trompe l’œil, dans une esthétique toute assumée, où les lignes et les couleurs vibrent subtilement.

La Galerie Gaïa partenaire de la QPN 2023 présente une sélection de la série KAAIEN